Una mostra a Genova, al Palazzo Ducale, raccoglie fino al 1 luglio 2018 la duplice produzione dell’artista:  autoritratti e animali raccontati in 80 opere tra tele, disegni e sculture. 

Quando si parla di Antonio Ligabue la parola naïf è l’aggettivo che capita subito a tiro per descrivere la sua produzione. Se è vero che le affinità sono evidenti in ogni sua opera (soprattutto nella componente autodidatta), la pittura di Ligabue è tutt’altro che “leggera” e “ingenua”. Ogni lavoro è infatti pervaso da un graffiante senso di drammaticità, di ricerca e di studio, che si stia osservando una tigre in una giungla ostile o un decisamente meno esotico scoiattolo, oppure uno dei suoi tanti, profondi e sofferenti autoritratti. E’ proprio il gran numero di queste opere (circa un centinaio)  che fa pensare alla dimensione di ricerca interiore del pittore: una produzione da cui emerge una profonda tensione emotiva e uno sguardo indagatore, verso il proprio io sofferente e martoriato, così come il suo volto. Un movimento dell’anima dal dinamismo feroce in contrapposizione all’apparente staticità e serialità della posa e dello sguardo. Qualche particolare cambia da un autoritratto all’altro (un cappello, i colori, il paesaggio), ma lo sguardo, angosciato,  rimane sempre lo stesso: gli occhi imploranti di chi cerca di scavare dentro di sè per capire cosa non funziona, una lucida presa di coscienza sul proprio malessere interiore, un grido di aiuto urlato col colore. 

La ricerca quasi psicologica dei suoi autoritratti fa da contrappunto con la conoscenza anatomica sviluppata attraverso lo studio degli animali che dipingeva: tigri, aquile, leoni, scoiattoli, gatti, ragni, serpenti.. La natura lo affascinava, e forse lungo i suoi interminabili vagabondaggi lungo le rive del fiume la sua immaginazione veniva incendiata da immagini esotiche e incontri con bestie nella vegetazione. E’ presente infatti una sorta di effetto sorpresa, di agguato, di tensione, di incontro tra predatore e preda, e anche quando il protagonista animale del quadro è solo, esso sembra all’erta, in agguato, con i sensi che gli comunicano che il pericolo è imminente, che il predatore è vicino.

L’irrequietezza di Antonio Ligabue  attraversa la totalità della sua produzione. Figlio di padre ignoto, nasce nel 1899 a Zurigo e viene affidato ancora infante a un’altra famiglia con cui non legherà mai, passando l’adolescenza in condizioni di indigenza e di malessere emotivo. Nonostante fin dalla giovinezza emergessero le sue doti di disegnatore, il suo comportamento turbolento lo allontana dalle istituzioni scolastiche e nel 1919 viene espulso dalla Svizzera. Approda in Emilia-Romagna, a Gualtieri, senza sapere una parola di italiano. Si dedica alla pittura e ai vagabondaggi senza meta lungo le rive del Po. L’incontro con Mazzacurati nel 1928 fa sbocciare il suo talento artistico, ma gli anni della maturità sono dominati dall’instabilità emotiva che lo accompagnerà per tutta la vita, con crisi maniaco-depressive, episodi di violenza e ricoveri in ospedali psichiatrici. I critici e i giornalisti si interessano alla sua opera a partire dalla fine degli anni ’40 e nel 1961 viene allestita la sua prima personale a Roma.  Muore nel 1965: nel suo paese lo conoscevano come Al Matt, “il Matto”.

Grande figurativista, Antonio Murgia è un artista diretto come la sua pittura. Una pittura immediata e potente, dalle tinte forti e dal gesto poliedrico. Abbiamo il piacere di ospitare le sue opere in galleria da quest’estate: con l’ultimo nostro incontro si è creata l’occasione per scambiare qualche parola e toccare diversi argomenti interessanti. Buona lettura!

– Antonio, seguendo la tua produzione da diverso tempo sembra che tu nasca come pop-artist, mentre negli ultimi anni ho notato uno spostamento verso un figurativo ritrattistico dal forte impatto emozionale. Ci racconti qualcosa a riguardo?

– A modo suo, sempre di Pop Art si tratta. O meglio, vi sono delle specifiche per far rientrare la mia pittura  anche in ambito Pop, magari derivativa. Esempio: le modelle che scelgo provengono quasi sempre da internet, cioè il veicolo che più di tutti incarna oggi una sorta di inconscio collettivo popolare. Manca solo l’effetto “popolarità”. Oppure inserisco, a mo’ di collage oggetti, immagini, carte di derivazione popolare di uso altamente comune. O ancora la tavolozza dal forte impatto cromatico, esagerato sovente, che, oltre che dalla predominante richiesta emozionale, sempre ad un immaginario effettistico popolare si rifà. Cioè, colori non come tavolozza personale (che poi comunque lo è), bensì anche come richiamo di un’esagerazione Pop. Non sento inoltre l’esigenza di lavare le mutande interiori in pubblico, come certa Arte ama fare. Anche questa è attitudine Pop.

Non amo “scavare” fra le pieghe del Sé (come invece altamente in uso in certe fazioni dell’Arte), primo perché forse un Sé non c’è. E già solo sapendo questo, si metterebbe fine a molte questioni artistiche. Secondo perché so per esperienza che scavare senza conoscere mezzi e finalità dello scavare, non rimane altro che scavare scavare scavare scavare scavare scavare senza giungere da alcuna reale parte. Rimane solo il senso di appartenenza allo scavare. Io non scavo. Fornisco solo piccoli attrezzi per far emergere.

Che rapporto hai con la tua terra di origine, la Sardegna? 

– Ci sono nato. Ci sono ritor-nato. Per motivi affettivi personali. Ma in certo qual modo mi ha portato ad una ri-nascita. Nel bene e nel male, ritornare mi ha fatto vedere alcune caratteristiche di sardità che non pensavo fossero caratteristiche di regione bensì personali; ed invece… Attrazione-repulsione rende?

– Negli ultimi anni sembra che l’arte figurativa stia, a livello di mercato, trovando una “rimonta” rispetto  all’astratto. Qual è il tuo rapporto con l’informale? E’ possibile far convivere i due generi in una produzione pittorica unica?

– Considerato che i miei quadri sono il risultato di un incastro di sezioni di pittura astratta fino a ricomporre la visione figurativa, almeno dal mio punto operativo la risposta è data. Se ammettiamo, mica tanto casualmente, che l’astratto lo possiamo paragonare al femminile e il figurativo al maschile, va da sé che la società stessa si palleggia fra momenti femminei e momenti mascolini. Quindi, in certi momenti e/o situazioni siamo comprensivi, in altri siamo reattivi, poco disposti ad accondiscendere. Il mercato si comporta allo stesso modo. In certi periodi vince la via dell’astrazione, dell’emozione; altre volte vince la via della concretezza della visione di sé. Altre volte ancora le due anime vanno a braccetto. Non è certo solo una questione di mercato (ancorché manovrato), bensì di normale fluttuazione di gusti (ancorché eterodiretti). In realtà, vi sono moltissimi artisti, in tutto il mondo, che stanno praticando la via di fusione fra figurativo e astratto. Chi parte da un’aspetto di destrutturazione della figura, chi fa il percorso inverso (come nel mio “OROS Project”), altri tentano la via della coesistenza, più o meno forzosa o armonica (come nella mia nuova serie “Juxtaposition”).

 Chi sono i tuoi padri spirituali? Quali sono gli artisti che ti hanno maggiormente influenzato?

– Tanti e nessuno in particolare. Padri non ce ne sono, ma patrigni tanti. Essendo in continua mutazione, rubo un po’ a destra e un po’ a manca.

Hai all’attivo diverse esibizioni in Oriente (Shanghai, Pechino): che tipo di sensibilità ha il mercato d’arte orientale contemporaneo? Rispetto all’ Europa?

– Esibizioni tante, rimasto quasi niente. I cinesi sono nazionalisti e neo ricchi: se non appartieni alla lista dei super-artisti, da te vogliono quasi niente. Però i complimenti li sprecano. Su certe cose (ancora per poco) fanno quasi tenerezza, per quanto sono”virginali”. Su altre, ci hanno superato a tale velocità che non ho idea di quando solo tenderemo a pensare di riprenderli. Terra e mentalità di grandi contraddizioni, almeno rispetto al nostro modo di concepire. Un’altra forma di “America”.

Che consiglio ti sentiresti di dare a un giovane che si avvicina al mondo dell’arte per intraprendere la carriera d’artista?

– Ahiiaa. La stessa che si è data nei secoli. Il mondo non ti aspetta; non aspetta il tuo “genio”; non aspetta le tue turbe. Te ne sei accorto? Bene. Perché se non te ne sei accorto, son cavoli tuoi. Penserai sempre che che il mondo non è adatto per te, non ti comprende ecc… Appena ti riesce, riduci le masturbazioni mentali al minimo e concentrati su chi sei, non su chi vorresti essere o come dovrebbe essere (in quel momento hai già fatto un enorme passo avanti), e le cose avverranno quasi naturalmente, senza troppi sforzi. Se invece senti che diventerai un grande artista… Auguri.

Qual è il ricordo nella tua carriera di artista al quale sei maggiormente legato?

– Tendenzialmente rimango legato al periodo che sto vivendo. Per cui, per ora è l’adesso. Presumibilmente, per domani potrà essere domani.

C’è un’opera storica che avresti voluto fare tu? C’è un periodo della storia dell’arte che ti piace particolarmente, che senti più vicino alla tua sensibilità?

– Per le opere (sono molte quelle che avrei voluto fare, anzi tantissime, forse un’infinità) quante pagine mi dai a disposizione? Per il periodo: tutto, o quasi, ciò che intercorre fra le pitture delle caverne e tante di quelle cose che stanno avvenendo ora, a prescindere da civiltà e cultura. Non è detto che mi debba piacere necessariamente il ’prodotto’. Ma lo spirito che lo incarna certamente sì. Ogni periodo, anche il più disastrato o derivato, possiede una sua peculiarità, una sua necessità d’esistenza. Vi sono stati dei periodi di maggiore impatto culturale (e li conosciamo tutti), ma questo è relativo alla società che ha albergato tale periodo. Tanto più è ricca e tanto più avrà avuto modo di influenzare altre società. Ma questo non vuol dire che le culture cosiddette “inferiori” non abbiano prodotto arte e cultura di qualità notevole. Forse mi mancano i mezzi per apprezzarle profondamente tutte, ma a sguazzare fra arte tribale rinascimentale medievale romana ittita naif azteca polinesiana novecentista ottocentesca bimillenaria c’è solo l’imbarazzo della scelta.

Qual è l’ultima mostra che hai visitato? E che artista ti piacerebbe vedere dal vivo / conoscere?

– Sono molto concentrato sul lavoro e vivo in un luogo che offre poco dal punto di vista espositivo. Quindi niente mostre da molto tempo.

Più che uno in particolare, mi piacerebbe un prototipo di artista da conoscere: prima di tutto dotato di un ego accettabile, quindi poco. Conseguenzialmente, che conosca se stesso a sufficienza da evitare di parlare di Arte, in quanto essa è solo il risultato finale e meno interessante di un processo chiamato vita. Che mi renda quindi partecipe delle linee guida della sua esistenza. Il focus su cui basa il proprio presunto agire. Mi farebbe capire dove sono, cosa e quanto devo ancora imparare. Parlare di Arte questo risultato non me lo produce.

Cosa fa Antonio Murgia quando non lavora alle sue opere?

Avete due giorni liberi dal lavoro? Volete dedicare un weekend all’arte e ricaricarvi  facendo il pieno di colori? Vedere una bella mostra è un’esperienza appagante e multi-sensoriale: dedicare a questo scopo un paio di giorni ci sembra un’ottima idea per fare il pieno di emozioni. Abbiamo selezionato alcune tra le mostre più interessanti in tre città: Milano, Torino e Genova. Vediamo insieme cosa hanno da offrire questi luoghi per partire alla volta di un mini-tour d’arte. Buon viaggio!

MILANO:

Kandinskij, il cavaliere errante: dal 15 marzo al 9 luglio al Mudec – 

L’esposizione, a cura di Silvia Burini e Ada Masoero, vuole omaggiare l’artista russo attraverso una rassegna incentrata sullarelazione tra arte e scienza e sulla metafora del viaggio come avventura cognitiva. Una raccolta di opere provenienti dai più importanti musei russi, di cui alcune mai viste prima nel nostro paese, presenta il percorso di formazione estetica di Kandinskij, con l’obiettivo di consegnare allo spettatore una chiave di lettura per il suo codice simbolico. Un viaggio graduale verso l’astrazionee attraverso una pittura che vuole essere immersiva: come scriveva lo stesso pittore “per anni ho cercato di ottenere che gli spettatori passeggiassero nei miei quadri: volevo costringerli a dimenticarsi, a sparire addirittura lì dentro.

Keith haring Tree of Life, 1985 Acrilico su tela 152,5 x 152,5 cm Collezione privata © Keith Haring Foundation

Keith Haring (“About art”): dal 21 febbraio 18 giugno 2017 a Palazzo Reale

Una delle prime grandi mostre a Palazzo Reale a Milano è l’esposizione Keith Haring  – About Art, che presenta 110 opere, molte di dimensioni monumentali, alcune delle quali inedite o mai esposte in Italia. La rassegna ruota attorno a un nuovo assunto critico: la lettura retrospettiva dell’opera di Haring  vista anche alla luce della storia delle arti che egli ha compreso e collocato al centro del suo lavoro, assimilandola fino a integrarla esplicitamente nei suoi dipinti e costruendo in questo modo la parte più significativa della sua ricerca estetica. Le opere dell’artista americano si affiancano a quelle di autori di epoche diverse, a cui Haring si è ispirato e che ha reinterpretato con il suo stile unico e inconfondibile, in una sintesi narrativa di archetipi della tradizione classica, di arte tribale ed etnografica, di immaginario gotico o di cartoonism, di linguaggi del suo secolo e di escursioni nel futuro con l’impiego del computer in alcune sue ultime sperimentazioni. Nonostante la sua morte prematura, l’immaginario di Haring è diventato un linguaggio visuale universalmente riconosciuto del XX secolo. Le sue opere fanno ricorso a uno stile immediato e festivo e sono popolate da personaggi stilizzati e bidimensionali, quali bambini, cani, angeli, mostri, televisori, computer, figure di cartoon e piramidi; iconico, in tal senso, è l’utilizzo di colori molto vividi e accattivanti che ricordano quelli usati dalla grafica pubblicitaria, e l’adozione di una spessa linea di contorno ridotta all’essenziale che circoscrive le anzidette figure.

TORINO:

© Giorgio Perottino

Bruno Munari – Artista Totale – dal 16 febbraio all’ 11 giugno 2017 al MEF

La mostra documenta la poliedrica attività creativa di Bruno Munari (Milano, 1907-1998), uno dei personaggi più significativi della cultura artistica internazionale del XX secolo. Il percorso espositivo pone in evidenza la sua multiforme ricerca e l’originalità della sua sperimentazione offrendo alla fruizione del pubblico l’ampio arco delle sue operazioni creative (disegni, progetti, collage, dipinti, sculture, libri illeggibili, nuove tecniche di riproduzione delle immagini, oggetti di industrial design, esperienze di grafica editoriale, architettura, nonché nuove proposte di pedagogia), solo per indicare le discipline più rappresentative all’interno del suo progetto di sintesi delle arti.

Caravaggio Experience – Dal 18 marzo al 1° ottobre 2017 – Reggia di Venaria

Imponente video installazione originale, Caravaggio Experience propone l’opera del celebre artista Michelangelo Merisi utilizzando un approccio contemporaneo: l’uso di un sofisticato sistema di multi-proiezione a grandissime dimensioni, combinato con musiche suggestive e fragranze olfattive, porta il visitatore a vivere un’esperienza unica anche sul piano sensoriale, attraverso una vera e propria “immersione” personale nell’arte del maestro del Seicento.

Nei grandiosi spazi architettonici della Citroniera Juvarriana della Reggia di Venaria, il visitatore resta “coinvolto” in uno spettacolo di proiezioni e musiche della durata complessiva di 50 minuti circa, in funzione contemporaneamente lungo tutto il percorso, senza interruzioni e a ciclo continuo, in cui sono evocate 58 opere del grande pittore.

L’installazione ripercorre i temi dell’intera produzione caravaggesca: la luce, il naturalismo, la teatralità, la violenza; e termina con un “viaggio” ideale attraverso i luoghi di Caravaggio, seguendo cronologicamente le fasi principali della sua incredibile esperienza di vita.

GENOVA:

Modigliani:  dal 16 marzo al 16 luglio 2017 – Palazzo Ducale

La mostra, allestita nell’appartamento del Doge di Palazzo Ducale, si propone di illustrare il percorso creativo di Amedeo Modigliani affrontando le principali componenti della sua carriera breve e feconda.Attraverso una trentina di dipinti provenienti da importanti musei come il Musée de l’Orangerie e il Musée National Picasso di Parigi, il Koninklijk Museum voor Schone Kunsten di Anversa, il Fitzwilliam Museum di Cambridge, la Pinacoteca di Brera e da prestigiose collezioni europee e americane, oltre ad altrettanti disegni, l’esposizione intende mettere in risalto il grande valore della sua ricerca in quel clima assolutamente unico creatosi nella Parigi d’inizio Novecento.

Modigliani testimonia infatti l’effervescenza dell’ambiente artistico e culturale di quegli anni, dove convivono e si incontrano grandi mecenati e mercanti come Paul Alexandre, Paul Guillaume e Léopold Zborowsky, accanto a scrittori come Max Jacob, Jean Cocteau, Guillaume Apollinaire, e ad artisti come Diego Rivera, Henri Laurens, Léopold Survage, Juan Gris, Pablo Picasso, protagonisti di un’irripetibile stagione di rinnovamento della pittura. La sua pittura è di una qualità estrema, introversa, introspettiva, concentrata soprattutto sul ritratto.I suoi modelli preferiti sono i colleghi pittori, i letterati e gli intellettuali, gli amici più intimi, le persone che condividono il suo mondo. Egli introduce per primo uno stretto rapporto psicologico con il soggetto che ritrae, per poi avviarsi progressivamente verso una purezza e una eleganza assolute: i volti tendono a una essenzialità formale fino ad allora mai vista.Oltre ai ritratti la mostra rivolge un’attenzione particolare anche ai celebri Nudi e ai disegni: il Nudo accovacciato di Anversa e il Nudo disteso (ritratto di Celine Howard) sono tra i capolavori che è possibile ammirare, oltre a una ricca esposizione di studi, disegni, acquarelli, tempere. Su tutti spiccano Le Cariatidi, figure di donne accovacciate con le bracce levate, dalle forme opulente e tondeggianti, ricche di rimandi all’arte primitiva, greca, etrusca, frutto di una profonda ricerca sulla bellezza ideale, in cui il sensuale si mischia allo ieratico, l’audace alla grazia, la dolcezza al mistero.

MEXICO. Mexico City. ProstituÈes. Calle Cuauhtemoctzin. 1934.

Henri Cartier-Bresson – 11 marzo all’11 giugno Palazzo Ducale

140 scatti di Henri Cartier Bresson, in mostra a Palazzo Ducale, per immergerci nel suo mondo, per scoprire il carico di ricchezza di ogni sua immagine, testimonianza di un uomo consapevole, dal lucido pensiero, verso la realtà storica e sociologica.
Per Cartier Bresson la tecnica rappresenta solo un mezzo che non deve prevaricare e sconvolgere l’esperienza iniziale, reale momento in cui si decide il significato e la qualità di un’opera.
“Per me, la macchina fotografica è come un block notes, uno strumento a supporto dell’intuito e della spontaneità, il padrone del momento che, in termini visivi, domanda e decide nello stesso tempo. Per “dare un senso” al mondo, bisogna sentirsi coinvolti in ciò che si inquadra nel mirino. Tale atteggiamento richiede concentrazione, disciplina mentale, sensibilità e un senso della geometria. Solo tramite un utilizzo minimale dei mezzi si può arrivare alla semplicità di espressione”.

I suoi scatti colgono la contemporaneità delle cose e della vita. Le sue fotografie testimoniano la nitidezza e la precisione della sua percezione e l’ordine delle forme.
“Fotografare, è riconoscere un fatto nello stesso attimo ed in una frazione di secondo e organizzare con rigore le forme percepite visivamente che esprimono questo fatto e lo significano. E’ mettere sulla stessa linea di mira la mente, lo sguardo e il cuore”.

“Ho visto le menti migliori della mia generazione distrutte dalla pazzia, affamate nude isteriche, trascinarsi all’alba per strade di negri in cerca di una siringata rabbiosa di droga.. “

Così scriveva nel suo poema Howl Allen Ginsberg, un grido psichedelico di rabbia e denuncia verso l’ipocrisia e il conformismo dell’America nella metà degli anni ’50. Meno di trent’anni dopo viene allestita la prima personale (a Modena,  nella galleria d’arte Emilio Mazzoli ) di un giovanissimo artista emergente che sembra aver incarnato in toto i versi di quel poema maledetto: Jean-Michel Basquiat.

E’ la fine degli anni ’70. Muore De Chirico, Warhol è all’apogeo della sua carriera, viene coniato il termine Transavanguardia, alla Biennale di Venezia viene lanciata la post-modern, New York sta vivendo un periodo di grandi cambiamenti politici, economico-sociali. Queste cose sono in qualche modo interconnesse tra loro, sta per cambiare qualcosa e il mercato dell’arte lo fiuta. La cultura underground, dei ghetto-blaster, dei graffiti, esce di prepotenza dagli scantinati e dalle metropolitane, dai vicoli malfamati e maleodoranti e approda nelle gallerie più importanti di Soho.

Versus Medici, 1982

Basquiat ha 20 anni, è giovane e incazzato,  vuole diventare famoso. Suona in una band, produce cartoline, t-shirt, collage, poesie sotto lo pseudonimo di SAMO (Same Old Shit). Dopo un periodo di iniziale indifferenza la cultura underground inizia ad accorgersi di lui. Vengono scritti articoli su questo giovane artista, i critici intuiscono qualcosa.   Grazie all’incontro e al sodalizio conAnnina Nosei nel 1981 arriva (forse, troppo presto) il successo.

Nello scantinato della Nosei dove vivrà fino all’anno successivo, Basquiat trova terreno fertile per far esplodere definitivamente il suo linguaggio creativo. Un neo-espressionismo viscerale, urlato, condito da elementi primitivi, parole cancellate e/o decostruite, colori acidi e forti dichiarano una rabbia esistenziale e di denuncia, ma anche una sensibilità fuori dal comune, un’esistenza tormentata, una personalità complessa ed esuberante. Un linguaggio personalissimo anima le sue tele, pronte per essere fagocitate da un meccanismo di un mercato d’arte drogato (e spietato) generato da enormi guadagni.

Zydeco, 1984

Nel biennio successivo Bruno Bishofberger diventa il suo agente al posto della Nosei e lo presenta a Warhol. Pubblica un disco di musica rap e fa il dj in diversi club di Manhattan, ha un flirt con Madonna. Produce opere a un ritmo forsennato, ispirato dalla televisione sempre accesa e sintonizzata su canali di cartoon, divora libri in continuazione alla costante ricerca di ispirazioni eterogenee e volutamente frammentarie. Nel 1984 inizia una collaborazione con Mary Boone,  Il New York Magazine punta i riflettori su di lui, iniziano a fioccare personali in tutto il mondo: Basquiat si ritrova le tasche piene di dollari, mentre l’apice del successo coinciderà con l’inizio del suo inesorabile declino. Abusa di ogni genere di droga, ha attacchi psicotici. La sua corona,marchio con il quale firma moltissime delle sue opere, sembra voler quasi esorcizzare la totale mancanza di controllo nella sua vita.

Andy Warhol, Mark Kostabi, Basquiat

La produzione artistica avanza, lavora instancabilmente nonostante la sua salute peggiori sempre di più. Le Collaborationscon Warhol e Francesco Clemente vengono guardate con circospezione dai mercanti (oggi del tutto rivalutate), tanto da far incrinare i rapporti tra Basquiat e il suo “padre adottivo” Andy Warhol. Tra il 1986 e il 1987 conosce un calo di apprezzamento da parte di pubblico e critica. Rompe con i suoi sostenitori e galleristi: è in totale balia della droga. Muore Warhol, Basquiat ne è scosso, continua a produrre lavori per mostre per l’anno successivo, ma è ormai schiavo dei suoi demoni. Nell’agosto del 1988, a soli 27 anni, Basquiat muore di overdose nel suo appartamento.

la mostra al MUDEC – Museo Delle Culture – Milano

La mostra del Mudec di Milano raccoglie più di 140  opere, che ricoprono il periodo dal 1980 al 1987. Provenienti prevalentemente dalla collezione privata di Yosef Mugrabi, le opere sono organizzate secondo sezioni legate ai vari studi dove Basquiat ha lavorato. Dalla strada al periodo modenese e la sua prima personale, al periodo del primo studio a New York, passando per gli studi di Crosby Street e Great Jones Street. Non manca una sezione dedicata alle Collaborations con Warhol, così come un’interessante proiezione video di un’intervista tratta dal documentario The Radiant Child.  Dalla mostra emergono tutta la potenza e la complessità di questo gigante dell’arte contemporanea. Il primo afroamericano a scalare i vertici di tutto il mondo ufficiale dell’arte, un personaggio fuori dagli schemi, a tratti infantile, a tratti esuberante e sofisticato; emergono i suoi mille riferimenti, dalla cultura pop americana, al jazz di Charlie Parker (suo idolo), alla storia “black” haitiana e nordamericana; emergono il non-sense e la sua cultura artistica non convenzionale, ma complessa e stratificata. I colori di Basquiat ti avvolgono e ti rimangono dentro per parecchio: una mostra consigliatissima, un’esperienza multisensoriale, una catapulta verso un limbo psichedelico, magico, colorato, irruente e  complesso quale è l’universo caleidoscopico dell’estetica di Jean- Michel Basquiat.